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    可见现实梵高与自由有关


    时间：2019-08-01  来源：  作者：华纳艺术网  点击次数：


    1888年12月，在法国普罗旺斯阿莱斯镇的黄屋与高更发生激烈争吵后，梵高的精神崩溃，他的耳朵被切断。这件事似乎是梵高的死亡通知，两年后他选择了自杀。从我开始去荷兰旅行的那一刻起，我一直在思考梵高的许多传说。从海牙到阿姆斯特丹，城市的角落都覆盖着梵高的元素，自画像，向日葵，星空，麦田和许多乐趣。事故并不多。由于各种道路的欣赏，如今，梵高已成为一种象征，并且有点干燥。他要么是现代的唐吉诃德，要受到才能，谣言，精神疾病和怪癖的束缚;或者他已经成为尼采的荷兰版本，这是一个开放的眼睛，并希望焦虑。不幸的是，欣赏者在这个问题上犯了一个错误。梵高只是一个画家。他的大部分时间都花在了疯狂的学习和绘画技巧上。这不是文学上的感受。即使他说他“以不同于他人的方式观察世界”，这种差异也不是感情的结果。相反，它可能只是原因。寻找梵高的观点是对我此行的致敬。梵高博物馆提供了一个线索，即“切耳事件”主题的文字说：高更的创作是基于“记忆”，梵高无法识别它。他坚持认为绘画应该表达“可见的”真实的“（可见性）。高更和梵高，两者的艺术追求和方向是相同的，所以他们可以建立友谊。学校的高更不能忍受法国人的克制巴比松学校。卢梭的重复和现实的田园风格似乎压制和消耗高更的活力。他转向原始的部落寻求帮助，沉浸在粗暴，狂热和无拘无束的部落艺术中，逐渐闭上眼睛，习惯于拼接和重新组织记忆实现自由创造的疯狂经历。与高智一样，谨慎的现实主义对于梵高造成的损害更为直截了当。 作为业余画家开始的梵高几乎完全依赖于他自己在1885年之前对农村生活的简单观察和经历，他在这一时期的一系列农民和牧民主题受到了学院画家的影响。批评，他们嘲笑他画的太假，只是画漫画。梵高《食土豆者》（1885年），梵高博物馆。农民的方鼻，突然的下巴，扭曲的光影，以及僵硬的褶皱都被他的朋友们嘲笑。然而，梵高认为农民在土地上倾斜，颜色融入土地。仔细看着持刀，眼睛和人物的农民的手，你能说高笔下的农民是“假的”吗？ “真实”是绘画的根本吸引力。很长一段时间，“呈现现实”（现实）的方法几乎被锁定在视觉对象的精确模仿中（现实主义）。在文艺复兴之后，现实精确度的迭代一直是旧艺术风格的重要挖掘者，其背后赋予人们对自己观察和行动的信心。达芬奇的真实身体线条和肌肉纹理结束了中世纪不受欢迎的中世纪绘画;巴洛克艺术直接支配着现实世界的不规则性，并将迷人的规则和对称的文艺复兴时期的艺术作为头脑。如巴比松学校或现实主义风格，它只是后波浪中杀戮之路的中转站。众所周知，自然风光的准确性，通过复杂的线条和色调，画布上的叶子。甚至人们都有动摇它的冲动。然而，在追求极端精确度方面存在一些固有的矛盾。无论现实还是现实，就时间序列而言，“真实”是在“现在”和“写”之后。如果你是一个诚实的人，你就不是那种思想开明，“现实”，“境界”或“人与自然和谐相处”的主人。你必须承认，至少在绘画和音乐的艺术创作中，“真实”只是“现在”和“写作”的结果。 “现在”和“写”的发起者和领导者是“人”的结果，“真实的”也是“人”的结果，更准确地说，是“我”的身心影响的结果。 因此，“现实”的原因不是被绘制的物体，而是真实的人自己; “现实”的形式结构不仅仅是复制事物的物理形象。——复制是不可能的——但是现实主义绘画心灵和图像的叠加和融合;而“现实”本身并不是“现实”或“现实”，而是“我看到的这个现实”和“那个现实”。在巴比松学派中酝酿的写实风格，无论其表达如何与人文主义联系在一起，其重复的现实技巧都不可避免地消除了写出实时画家自我的因素，并将主导地位转移到追踪对象上。为了满足用于精确度的复杂线条和调色板，艺术家对自主性和自由的表达受到限制。对于画家来说，精确和简单的协调可能是一个难题。梵高和高更对日本版画（Ukiyo-e）着迷，并希望找到一定的平衡点。梵高感慨地说，他羡慕日本人，并说日本人只需要用几支钢笔就能准确地画出他们想要画的东西。他们也这样做了。广州的一位画家曾用浓烟说过：向日葵实际上非常简单，可以固定两百多支钢笔。两者之间的区别在于高更试图通过“记忆”来捕捉心灵和物体的叠加;梵高在视觉观察中捕捉到“瞬间”。他强调的“可见现实”，或许更准确地说，意味着“被视觉化的现实”。 “正在看到的现实”，这是我对梵高观点的理解。它不是一个简单的“看见”静态图像，而是一个不断生成的动态景观，并通过我的“外观”呈现在我的脑海中。 此外，这种动态景观的呈现并不依赖于解释绘画背后的叙事，也不依赖于启动自己的动作记忆，而是通过粉碎未经和解的补丁之间的对比。访客的景象是不可避免的。梵高《麦田上的鸦群》（1890年），梵高博物馆。黄色，蓝色，黑色，红色，绿色，五种颜色的对比碰撞，故意不相互协调，没有设置颜色块的过渡区域。演示的动态不是梵高的创作，梵高已成为以往荷兰绘画和早餐画中的常见做法。许多美丽的花朵缠在一个瓶子里，经常有海螺，贝壳或一些昆虫在瓶子周围爬行的物体。这些静物作品让人觉得画家对放在窗台上的花瓶的描绘是如此逼真。但每个人都被骗了。这不是现实，而是像假的想象。如果您对植物学，昆虫学和历史有先验知识或行动记忆，那么您可以看到绘画中的花朵不能同时出现在瓶子中，它们属于不同的季节和不同的区域;在荷兰找不到那些海螺和贝壳，它们静静地停留在印度海岸的海滩上;在昆虫学家出版的彩色书中，昆虫可能只是外来物种，如果它们出现在荷兰，那将是一场灾难。这个欺骗性的画家显然不是画一个静物画的小窗口，而是想呈现伟大的海洋时代的潮流，以及荷兰人在波浪的中心，他们的视野的动态生成和兴奋。 Big Bossart《瓷瓶中的花》（1618），Morites皇家博物馆。画中的花朵属于不同的季节。郁金香刚刚被引入荷兰二十年。右下角的海螺和贝壳来自印度洋。窗户和窗户是航海时代的荷兰世界。然而，即使我们不理解他画的东西背后的故事，我们也很容易受到梵高作品的影响。 草在燃烧，麦田在滚动，房屋在增长，星星正在旋转，世界正在崩溃。他们不是为了什么或因为画外音，他们正在移动这么多。运动是事物本身具有的形态。只有在不需要绑架的那种运动中，才能实现自己的现实。梵高《星月夜》（1889年），纽约现代艺术博物馆。天空的螺旋，如万川的汇聚，月亮和月亮的相同，打破了星星的陈词滥调。梵高有着独特的自信。他认为人类视觉是一种自然的调色板。画家应该做的不是混淆色块，安排它们，建立视角，而是观察他。瞬间捕获的颜色图像以逼真且强烈的方式呈现。至于这些色块的强度，融合和水平，它是观众眼睛的自然自由。他显然认为颜色更像是对事物的一种心理压力。这种压力随观众的视角，位移，心跳，情绪等因素而变化，因此在整个欣赏过程中，观众被投射出来。我们有一些莫名的动态视觉体验。梵高《出双入对》（1887年），梵高博物馆。画中有多少人？在这对夫妇的左侧，有两个人隐藏在颜色中。这是一个基于颜色块自我重组距离的实验：看看远离图片的两个人，它们与树上的花朵没有太大区别;接近一些观察，你可以清楚地看到它们是人类;非常接近观察，不像人。持续的压力也是视觉上建构事物的过程。想象一下，在没有触觉，听觉，味觉和嗅觉参与的情况下，如何仅仅通过视觉来区分事物？它只能依靠颜色，而颜色的差异构成了事物的边界。如果它只是一种颜色，那么它真的是“颜色是空的”。因此，由线条构成的形式仍然是颜色。即使是草图，也必须使用普通纸和笔芯之间的色差来实现线的形状功能。孔子说“验尸”是明白的事实。 因此，在绘画中，“可见现实”是“可见颜色”，“正在被看见的现实”也是“正在出现的颜色”。传统的构图不能完全满足那种颜色的出现。在发现透视方法后，“光”的颜色几乎占据了绘画的形式构成。 “光”为图像提供焦点，其他图像依次出现，并形成彼此之间的视觉逻辑。你无法想象，在透视的杰作中，你可以从一个黑暗的角落去观察整个工作。在构成图像的视觉逻辑之后，“光”也限制了观察的路径。我们只能从“光”开始了解某种绘画并阅读某个场景。这应该是很多人享受绘画的经历。伦勃朗《夜巡》（1624年），荷兰国家博物馆。你能想象，从屏幕左侧的窗帘，或黑暗右上角的木杆，或左右视角的角色，观察和解释整幅画？光效已规定观察的起点必须放在图片的中间，两个字符被眩光覆盖，其他字符和东西通过它们相连。然而，“光导”似乎有些不合理。在一个人尚未与一个物体建立明确的意义联系之前，一旦柯南出现，谁能锁定观察的焦点，并合理推理全部真相？通常，人们使用视觉观察的方式更多的是点分布和连接而不是树枝。除非你清楚看到女孩的“盲目”（意思是联想），否则你可以预先计算出女孩的出发点和推理方式，外表，身体，个性，性格，这个等关键点以及数字。彼此之间的时间。它已被埋藏在你的心中，而会议的过程就是找到遵循既定路径的方法。如果它只是一般的道路遭遇，你对女孩的观察往往是分散的，随机收集的信息是——。她画了眼线，穿着一件漂亮的连衣裙，穿着一件衣服——然后逐渐将这些点连接起来形成一个完整的女孩。正式判断：她似乎心情不好。 我觉得至少对维米尔来说，我可能已经意识到传统的不自然和扭曲。威猛（Vermeer）的高超不是光与影的微妙之处，而是在“光”的淡化中：他似乎想要将“光”渗透到其他图像中，以稀释焦点，并说每个焦点都充满了图像。角。这种稀释造就了威猛（Vermeer）宁静优雅的风格。威猛（[Ver9er]《倒牛奶的女仆》（1658），荷兰国家博物馆。左上角的窗口定义了“光”的来源和角度，女仆工作的焦点是毋庸置疑的。然而，明暗的对比度并不强烈，即使窗户的一角悬挂在窗户右侧，光线无法看到，或者窗户下方的桌子朝向客人的正面，维梅尔仍然为它们分配全光效果。我们可以从查看图片的相对较暗的角落开始，并且“光”被吸收到整个图像中。 Van Gobi Vermeer走得更远。 “稀释”的光芒，仍然无法逃脱“光明”的创造。更简单，不要轻。如果“光”也是一种颜色，那么它没有权利占据中心比其他颜色更多，而其他颜色没有义务接受“光”。 “色彩平等”给了我影响，不亚于梵高更着名的“点画法”。我可以自由地进入绘画的任何角落，任何颜色块，并用它作为观察的起点。周围的色块与起点形成了激烈和谐的对比，使它们无法抗拒地走到了我的位置。在“这一天是正确的时间”的视觉刺激下，我出发并进入旁边的色块，新的环境尽快出现。反复直到整个画面像多米诺骨牌一样显露出来。 “色彩平等”为观众创造了一个开放而独立的观察路径。任何出发点在观察中都是合法的，引导视觉运动的能力是由于颜色的强烈对比。游客不需要遵循“光明”或其他刻板印象，一步一步地“复制”艺术家的观察路径，走自己的路，构建自己的工作形式。打开建筑的自由空间，这是一种更深层次的“动态展示”。 许多梵高的作品，观众无法分辨他想表达的内容，以及观点的焦点在哪里。也许我们不应该问梵高他想表达什么。问问自己你所看到的。梵高《咖啡店女老板》（1887年），梵高博物馆。整个画面没有光影。远处的黄色椅子，蓝色咖啡壶和咖啡壶;红色的帽子，黄色的啤酒杯，绿色的墙壁，红色和黄色的桌面边缘的女性老板在特写镜头中，构成了色彩缤纷的色差，不断吸引视觉运动和搜索。我们可以从图片的任何一个角落开始，依靠色差来完成对政府工作的观察。梵高《杏花盛开》（1890年），梵高博物馆。不同颜色的蓝天散布整个画面，与杏花的白色和花枝的绿色形成色差。这是无辜和平静的。你能说出梵高画作的视角吗？这是梵高对他刚出生的侄子的洗礼。那时，梵高正在医院接受心理治疗。梵高与自由有关。即使你说梵高是自由，我也不会反驳它，因为他的方法创造了一个自由解释的空间。观众不需要尝试遵循画家的逻辑。他们各自的观察是为工作建立逻辑。靠近梵高，不依赖于既定的计划，而是走过台阶，这是我心中纯洁无辜的笔。在他的心里，没有权力的谱系。对于所谓的“自由”，你和我可能不同意。但是，由于你我之间的自由度不同，自由是有价值的。在不伤害对方的前提下，我们坦诚地追随自己的自由，过上自己的生活，正如梵高用刷子做的那样。我相信无论出发地离我们有多远，终点都会如此。愿自由与你同在。

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